EL STORYBOARD

Storyboard El Storyboard es una visión ilustrada, similar a un cómic, de cómo el productor o el director se imaginan que quedará la visión final de una producción. Esta visión de la producción es la forma más efectiva de comunicación entre el productor o el director y el resto del equipo. Cada dibujo transmite instantáneamente toda la información más importante de cada plano y define un estilo singular que el equipo en su conjunto ha de conseguir.

En el diseño para audiovisuales, el boceto cobra una especial importancia; es lo que llamamos Storyboard. El Storyboard es un dibujo esquemático compuesto de viñetas en las que se recoge la planificación esencial (encuadres, movimientos externos e internos) de una obra audiovisual. Se considera una parte del guión completo (guión literario, guión técnico y guión gráfico o storyboard). Es un paso obligado antes de la producción del audiovisual. Es como un cómic con la historia dibujada de una película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos, sobre todo en secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que posteriormente han de superponerse.



 Orígenes e historia ________________________________________ El proceso de storyboarding, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en el estudio de Walt Disney a principios de los años '30, después de varios años de procesos similares que fueron empleados en Disney y otros estudios de animación. El Storyboaring se hizo popular en la producción de películas de acción viva a principios de los años '40.

Los storyboards nacieron en la industria de la animación. A principio del siglo XX, el gran dibujante Winsor McCay estaba creando tiras de cómic para sus asombrosas animaciones que pueden considerarse algunos de los primeros storyboards. Más adelante, al final de la década de los veinte y a principio de los años treinta, los guiones para el emergente campo de la animación eran mecanografiados según el formato de guión para películas de ficción. Este sistema enseguida causó complicaciones. Una descripción escrita de una acción animada no necesariamente comunica la idea correcta. Así, los animadores descubrieron que un gag a menudo no era gracioso cuando se trasladaba al campo de la animación. Para remediarlo, los storymen (no había mujeres en los departamentos de story por aquel entonces) empezaron a esbozar las escenas principales y los gags. Muy rápidamente empezaron a añadir cada vez más dibujos a sus guiones hasta que se convirtió en habitual esbozar todo la historia. Para que todo el equipo de dibujantes viera los bocetos, éstos eran colgados en la pared. Alguien tuvo la brillante idea de poner estos bocetos en láminas de madera comprimida (en inglés "lamina de madera comprimida" es beave board) (de ahí el nombre de storyboard). Las láminas de madera comprimida se utilizaban en tabiques y techos, y es una tabla ligera y fibrosa en la cual es fácil clavar chinchetas. Esto fue ventajoso para los narradores, que enganchaban cientos de dibujos. Con los dibujos en dichas tablas, la historia podía leerse al completo y también moverla a otra habitación. Por entonces, la producción de dibujos animados empezó al reducir al mínimo las descripciones escritas. Los dibujos animados se expresan mejor visualmente, debido a los gags. La escritura se limitó principalmente al diálogo y a simples instrucciones de cámara. Si una idea no se sostenía gráficamente, se rechazaba. Mientras la práctica de escribir guiones completos prevalecía en la década de 1970 y en la década de 1980, John Kricfalusi. creador de Ren & Stimpy, retrocedió al estilo de crear dibujos animados clásicos y confió en dibujantes con talento para conducir el guión, en vez de solo el guión escrito. Actualmente, los storyboards se utilizan para ayudar a desarrollar un guión, para obtener una idea, para ensalzar un guión y/o para visualizar un guión acabado. En el desarrollo de las animaciones, a menudo se utilizan storyboards durante todo el proceso de producción. Son un gran instrumento para ayudar a elaborar un proyecto en todas las fases de producción. La práctica de la realización de storyboards se ha vuelto cada vez más frecuente en las películas de ficción. A pesar de que las animaciones tienen sin excepción alguna cada una de sus escenas representadas en un storyboard, los storyboards de imágenes reales están mayoritariamente limitados a anuncios de televisión, así como a escenas de acción, a escenas de especialistas y a efectos especiales de películas y programas de televisión. Un conjunto de boards bien hecho es una bella representación de cual movimiento visual, como un cómic; las imágenes fluyen conjuntamente para narrar una historia. La línea de trabajo puede que sea algo esquemática o, por el contrario, rigurosa y detallada, pero lo importante es visualizar correctamente el fluir de la historia. Habrá usted escuchado aquello de que "una imagen vale más que mil palabras". En la industria del entretenimiento una imagen es mucho más valiosa que un millón de dólares. Cuando la gente lee un guión, cada uno se hace una idea de cómo debería ser. El productor y el director, sin embargo, son los que tienen la decisión final. Sin un conjunto de boards para representar exactamente cómo quieren que sea una escena, muchas cosas pueden ir mal. En el plató puede que se oigan frases como "oh, ¿es esto lo que tu pretendías?" o "¿Qué estás haciendo? ¡Eso NO es lo que había pedido!" Cuando todo el mundo trabaje sobre una misma visión, este tipo de malentendidos no se producirán. En los años dorados de la animación de los días de Chuck Jones. Tex Avery, Bob Clampett, Fritez Freleng y Walter Lantz, los directores dibujaban la mayor parte de sus stryboards. A medida que los estudios de animación crecieron, estas tareas fueron delegadas a otros. Solo recientemente cada vez más directores vuelven a realizar sus propios storyboards. Algunos directores de animación, como John Kricfalusi, famoso por "Ren and Stimpy", creen que es importante que escritores/directores de dibujos animados hagan sus propios boards y que es relevante para las historias el que éstas sean escritas por dibujantes de dibujos animados que no sólo sepan escribir, sino también dibujar. Los dibujos animados se componen de diálogos divertidos pero también de imágenes divertidas y gags visuales. Los dibujantes de dibujos animados conocen las habilidades y limitaciones de los medios y pueden obtener ventajas de ellos. La escritura por sí sola no puede hacerlo. Los dibujos animados son mejores cuando hacen lo físicamente imposible y se comportan con exageración. Los storyboards de películas live-action se hacen generalmente en preproducción, tan pronto como un guión se encuentra en la fase final. Los dibujantes de storyboards generalmente trabajaran con un director para ilustrar las imágenes que éste tiene en su cabeza con la finalidad de que todo el equipo las vea. A veces puede que trabajen con un productor, si la visión del productor es la fuerza que guía el proyecto o si el director aún no ha sido contratado para el proyecto. La otra persona con la que un dibujante de storyboards probablemente trabaje es con el director de producción. El diseñador de producción sostiene la visión creativa del proyecto en relación a todo lo que hay detrás de los actores, incluyendo no solo los decorados y las localizaciones, sino también el atrezzo, y a veces, el vestuario. El estilo del decorado y las localizaciones serán extremadamente importantes para las acciones de los personajes. Un dibujante de storyboard puede que ayude al estilo de un proyecto con un gran número de formas distintas. El diseñador de producción proporcionará al dibujante toda la información visual necesaria. A los dibujantes de storyboards puede que también se les pida hacer ilustraciones conceptuales de cómo deberían ser los decorados o localizaciones, antes de que empiecen con los detallados diseños y sus construcciones. Los profesionales que realizan producciones de bajo presupuesto pueden pensar que están ahorrando dinero al no usar boards pero la verdad es que es todo lo contrario. Cuánto más bajo es el presupuesto, la producción tiene que estar más organizada con el propósito de llevar a cabo la difícil tarea entre manos. Cualquier malentendido o falta de comunicación puede tirar por la ventana el ya ajustado plan de producción. Cuánto más dibujado está un proyecto, mejor será la preproducción, menor será la construcción excesiva de decorados y el equipo se moverá al unísono más rápidamente para llegar a cubrir todos los planos. En vez de rodar desde cada ángulo para posibles montajes, en los boards se muestra cada posibilidad de edición, recortando los cortes extras de las películas y el revelado, así como los costes laborales generados por filmar exceso de metraje y bucear entre miles de metros inútiles de película en la sala de montaje en el momento de la edición. Dibujar storyboards es una válvula de escape maravillosamente emocionante y creativa. Un dibujante de storyboards es crucial para la fluidez de la historia y en la organización del rodaje. Una buena realización de storyboards requiere de conocimientos de dirección, montaje, narrativa y técnicas de cámara. A ello añádele talento artístico, y la aptitud para trabajar con otros para narrar una historia visual, y quizás usted también disfrute ilustrando en el apasionante mundo del entretenimiento. Para los productores, directores, y otros profesionales del equipo que no dibujan, tener nociones de realización de storyboards es igual de importante, porque realzará su capacidad de comunicarse con el equipo y finalmente les ayudará a contar una mejor historia y a llevar a cabo una mejor producción. Formas en la actualidad ________________________________________ Hoy en día, teniendo en cuenta que nos encontramos en un punto emergente de nuevas tecnologías, las formas y finalidades de un storyboard no son comunes a las de antaño. El desarrollo de programas "Story Board Pro", "ComicLife" o "Storyboard Artist" (entre otros), han facilitado el trabajo de este proceso llevado a cabo en el periodo de preproducción. Entre las formas o los diversos usos que se dan en esta técnica, nos vamos a centrar en el storyboard para cine, para televisión, para teatro y especialmente destacaremos el uso reciente del animatic y el photomatic. El storyboard en cine comprende todos aquellos dibujos que, representados en viñetas, escenifican alguna escena clave de la película producidos de antemano con el fin de permitir a los directores y cineastas ser conscientes de los problemas que va a conllevar el rodaje de ésta y poder evitarlos. Siempre es conveniente que se incluya, en los bordes o donde el espacio lo permita, apuntes necesarios para el trabajo de todo el equipo. Es una técnica muy usada para escenificar y planificar las costosas escenas de acción del cine actual. Sirve tanto como guía para el director en tanto que es capaz de plasmar en papel todo aquello que desee ver en la pantalla antes de comenzar el rodaje, teniendo así una visión previa que le permita corregir todo aquello que se desvíe de esa planificación; y es una guía fundamental en el trabajo de montaje, donde se descarta todo aquello que no está acorde a la idea predeterminada. En la siguiente imagen podemos ver el storyboard que se diseñó para grabar una pelea entre dos hombres. Nos da una idea clara de lo que se quiso mostrar a la hora de grabar.

El storyboard en televisión se usa, generalmente en publicidad. De una manera u otra, los publicistas tienen especialmente en cuenta si la escena se verá desde un plano u otro con el fin de que, a pesar de la influencia del punto de vista subjetivo del espectador, esa imagen sea capaz de trasmitir lo que la marca o empresa quiera. También se marcarán los textos de diálogo o la "voz en off" junto a cada viñeta del cómic resultante. El storyboard, además, es necesario a la hora de crear los títulos de crédito de determinadas series o programas. También, como uso corriente, cabe destacar el empleo en dibujos animados aunque es cierto que en los últimos años, la animática ha generado un descenso en el uso de lo tradicional en éste ámbito, pero no podemos olvidar que el animatic no es más que un paso más allá del storyboard tradicional, y que de hecho, antes de dar ese paso siempre es recomendable esbozar un boceto que nos de una visión general de lo que queremos mostrar. Podemos ver un ejemplo en este storyboard de la serie "The Simpsons":

En ambos casos, tanto en cine como en televisión, sólo se representan los planos más significativos y se omiten los planos de transición. No podemos olvidar que tanto en cine como en televisión es imprescindible determinar el tamaño del plano y el número de éste, para evitar confusiones. Tenemos que tener en cuenta que un storyboard no es una película en sí ni un capítulo, ni tampoco un anuncio. Es posible que a la hora de esbozar un storyboard, el diseñador tenga en mente que eso se va a producir, pero tenemos que ser conscientes del hecho de que es posible que eso que nosotros dibujamos nunca se lleve a la pequeña o gran pantalla. Es más, hemos de tener en cuenta que el storyboard es la manera de presentar un proyecto a una productora, pero ellos son libres de decidir si se lleva a cabo o no. A pesar de que, al hablar de storyboard, todos imaginamos el trabajo previo realizado a un plan de rodaje, tanto en televisión como en cine, como hemos hablado hasta aquí, no podemos destacar el trabajo que se desarrolla previamente a una función de teatro. No es corriente o al menos, no tenemos suficiente información como para destacarlo, pero si podemos hablar del storyboard en teatro como otro uso en la actualidad. A pesar de que no todos lo hagan, si es cierto, que muchos directores esbozan en papel una idea de cada escena, indicado la posición del actor sobre el escenario y otros aspectos de real importancia. Es una herramienta muy útil para trabajar el montaje de iluminación y los diferentes cambios de decorado que han de llevar el equipo de atrezzo. Animatic Una animática es una forma específica del storyboard. Se trata, básicamente, de un storyboard en movimiento, en video, un storyboard animado que sirve de soporte al storyboard tradicional porque permite apreciar las características narrativas del plano, como puede ser la duración, la acción de los personajes, el movimiento de cámara, etc. Últimamente, y sobre todo, son usadas en películas con una carga importante de efectos especiales o animación, ya que permiten ver la acción evitando una gran inversión de dinero. En sus comienzos esta técnica era mucho menos sofisticada de lo que es hoy en día, grabándose el storyboard y dándole movimientos simples. Sin embargo, en los últimos años, y gracias al desarrollo de nuevas tecnologías audiovisuales, se ha podido mejorar la técnica y hoy por hoy se mezcla en ella tanto 2D como 3D, así como diálogos básicos y efectos sonoros. Las animáticas son usadas en diversos medios, y dependen en gran parte de ese medio para el que se vaya a usar, pues no será igual ni se creará de igual manera para un anuncio, que para una película, o para un videojuego. Así, por ejemplo, podemos encontrar este tipo de storyboard en diversos medios, como en publicidad, donde la animática se crea, aparte de para tener un apoyo a la producción, para comprobar la reacción del público ante el anuncio antes de proceder a su producción, ahorrando así tiempo y dinero al ver lo que funciona y lo que no, cosa que de otra manera sería imposible. Esto se consigue de manera que una vez está aprobado el storyboard, este se transforma en una animática que será presentada ante un grupo de personas con un perfil similar al del público al que va destinado el anuncio para que lo valoren y así se pueda modificar el anuncio según la aceptación del público. Aquí tenemos un ejemplo de una animática para publicidad: Una variante de animática en publicidad es el rip-o-matic, en la que se usan partes de otros anuncios, programas o películas ya existentes para presentar la atmósfera y la forma aproximada del anuncio que se quiere producir. Aquí podrán ver un ejemplo de rip-o-matic: Otro medio en el que las animáticas son muy utilizadas es el cine, sobre todo y como ya hemos comentado, el cine con una amplia carga de efectos especiales, como puede ser el cine de acción o el cine fantástico. Esto es debido a que gracias a las animáticas y al desarrollo que estas han tenido gracias a la mejora de los programas de 3d, se pueden probar diferentes formas de narrar una parte de la historia a un coste mucho menor que el que llevaría producir todo el material. Por eso, las animáticas se crean con el objetivo de poder imaginar cómo será la escena, valorar los planos y el coste de los mismos, ver cuales quedarán mejor narrativamente, y luego escoger los que realmente se llevarán a cabo y pasarán a formar parte de la película. Por último, otro medio en el que se puede encontrar la presencia de las animáticas es la televisión. En este caso, dado la multiplicidad de formatos que esta tiene, nos referiremos a los programas de televisión. En estos, al igual que en las películas o en la publicidad, las animáticas sirven como apoyo a la planificación del programa, para tener una visión global de cómo se verá el programa, los ángulos de cámara, la iluminación o la música. Y aquí podéis ver un ejemplo de animática para televisión, en este caso es la animática de un fragmente de la gala de los Goya 2010. En ella aparecen Buenafuente y Pocoyó, y se planifica como interactuarán y lo que dirán, ya que Pocoyó es un personaje virtual. Photomatic Photomatic es una serie de fotografías fijas editadas conjuntamente y presentadas en pantalla como parte de una secuencia. Una técnica de animación de objetos sólidos para crear una obra audiovisual. Se sacan fotografías de cada estado de un movimiento del objeto, para después reproducir este conjunto de imágenes a 25 fotogramas por segundo, dando así una sensación de continuidad. Habitualmente, se añade una voz en off, un fondo musical o unos efectos sonoros para crear una presentación para mostrar cómo se podría filmar una película. Esta técnica está siendo utilizada cada vez más para conocer la efectividad del storyboard propuesto antes de empezar a trabajar con el proyecto definitivo. Photomatic es, por lo general, una herramienta de estudio, similar a un animatic, y en el que se representa el trabajo ante una audiencia de prueba para que los clientes puedan valorar la efectividad de la propuesta. La fotografía digital, el acceso a la web para almacenar y los programas de edición no lineal han tenido una enorme repercusión en esta forma de grabación, introduciendo incluso el término “digimatic”. Las imágenes pueden capturarse y editarse muy rápido para permitir que las decisiones creativas más importantes se tomen en el acto. Las animaciones de fotocomposiciones pueden crear escenas que, normalmente, estarían muy por encima de los presupuestos de muchas filmaciones. El término “photomatic” deriva probablemente de “animatic” o de foto-animación. Photomatic y Stop motion son dos términos, que hay veces que nos pueden llevar a la confusión. En primer lugar, los términos photomatic y animatic, se refieren a un desarrollo del storyboard con el objetivo de producir mayor sensación de continuidad. Se puede considerar que con una especie de stop motion de los momentos visuales más significativos, ya que con ellos se constituye a modo abreviado la representación de la obra audiovisual. Se capturan los momentos visuales más sólidos y estáticos, pero con suficiente significado como para reconstruir la totalidad. Por otra parte, el stop motion es un desarrollo de los dibujos animados y un proyecto finalizado. Es una técnica que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos mediante una serie de imágenes, tomadas de la realidad, sucesivas y fijas. Aquí podemos ver otro ejemplo de stop motion: Funciones de un storyboard ________________________________________ A la hora de hacer un Storyboard tenemos que tener en cuenta cuáles son las funciones que nos aportará llevar acabo dicho trabajo. Las palabras clave para saber cuáles son sus funciones son: ahorrar tiempo, dinero y comunicar. 1. Tiempo: Al hacer un Storyboard ganamos mucho tiempo porque vemos en papel qué es lo que quiere el director en su película, sin que haya luego cambios de última hora. Se nos muestra en viñetas los planos de cámara necesarios, lo que se va a grabar, y con esto, una vez que iniciamos la grabación, el camarógrafo sólo tiene que mirar el Storyboard y guiarse por los dibujos, los planos que ha de filmar, y así ahorramos bastante tiempo en tener que preguntar qué ha de grabarse. El tiempo es un factor muy importante a la hora de hablar del Storyboard, y está ligado con las funciones de dinero y comunicación, que veremos a continuación. 2. Dinero: Al tener todo planificado bajo el Storyboard, esto supone menos pérdidas económicas, ya que cuando se tiene todo planificado correctamente, los distintos equipos que intervienen en rodaje saben lo que es necesario para la grabación (como por ejemplo el alquiler de alguna máquina específica...) . Esto hará que no haya problemas de última hora y se ahorre tiempo. El ahorrar tiempo supone ahorrar dinero, por lo que cuanto más rápido se trabaje, más se ahorrará y menos dinero supondrá. El utilizar películas vírgenes también supone un gasto de dinero, por lo que al tener visualizado en papel qué planos han de filmarse se ahorraría grabar planos innecesarios y sólo grabar esos planos útiles que vienen en el Storyboard. El director artístico también es importante a la hora de realizar un Storyboard para ayudarnos a no gastarnos mucho dinero, ya que al tener visualizado lo que vamos a ver en escena, éste nos puede indicar que sólo es necesario la sección de un decorado, los mismos utensilios, objetos, por ejemplo. Esto nos ahorraría tiempo y dinero, ya que no tendríamos que volver a construir el atrezzo ni el decorado, y se podría volver a usar. 3. Comunicación: El Storyboard nos comunica lo que vamos a ver en pantalla. Resulta más fácil explicar a un personaje lo que tiene que hacer, la dirección que tiene que tomar, la posición, etc. Y así, lo mismo ocurre con el cámara, resulta más fácil mostrarle qué planos ha de grabar. Es una forma muy directa para comunicar qué es lo que tienen que hacer cada uno de los miembros del equipo de rodaje. Aquí también entraría el factor tiempo. Nos ahorramos mucho tiempo cuando todos saben qué es lo que tienen que hacer y no tener que estar preguntando constantemente. El Storyboard también nos asegura que haya una continuidad en la película, ya que seguimos paso a paso cada viñeta sin que nos olvidemos de grabar ningún plano. Pero como somos humanos y se nos puede pasar algún plano, es frecuente que el director vaya tachando cada dibujo a medida que el rodaje avanza, así se asegura que no se han saltado ningún plano y se han grabado todos. Otro motivo por el que los Storyboard nos ayudan a mantener una continuidad es porque al tener todo bajo papel, ven (los animadores) la posición de los personajes, en qué dirección salió de la escena, con qué mano cogió un objeto o con qué pierna golpeó a la pelota, por ejemplo. Todo queda detallado y guardado, y no tendríamos problemas de salto de raccord. Y esto nos ayudaría a ahorrar tiempo y no tener que grabar las mismas cosas diez veces. ¿Cómo construir un storyboard? ________________________________________ Realizar un storyboard permite planificar un vídeo para garantizar que se van a obtener imágenes de aquellos contenidos sobre los que va a tratar dicho vídeo. Si realizamos mal un storyboard, en la película vamos a observar que las imágenes tienen poco, o nada, que ver con la narración. Existen tres fases o pasos principales para la realización de un storyboard: 1. La narración: Debemos tener en cuenta la narración. Para comenzar a elaborar nuestro storyboard tenemos que tener en cuenta el texto del narrador. Dividimos el texto en tantos fragmentos como deseemos, aunque es importante que sean breves: el vídeo debe incluir silencios que resalten las imágenes. Sin embargo, la narración no debe contar lo que vamos a ver en la película, sino aportar información y explicar lo que vamos a ver. 2. Los tipos de plano, tomas, y movimientos de la cámara: Una vez que se ha escrito el texto, pensamos en las imágenes que deseamos tomar para mostrar y explicar lo que la voz va a narrar. Es frecuente combinar los planos generales con planos detalle a medida que se escucha la voz. Un texto debe contener múltiples planos, y si es posible, debemos hacer que las imágenes duren más tiempo que el texto para que se produzcan frecuentes silencios de voz. 3. El dibujo o la imagen: Cuando ya hemos tenido en cuenta la narración y hemos visto los tipos de plano, los movimientos de la cámara y las tomas podemos proceder a dibujar nuestro storyboard. Cuando hemos elaborado nuestro storyboard no debemos anclarnos en esa idea, tenemos que admitir sugerencias e ideas de otras personas, no por ello el proyecto dejará de ser nuestro, sino que estaremos motivando a otras personas a ser parte integrante del proyecto. De todas formas, los cambios que realicemos en el storyboard no deben ser bruscos, sino que deben ser suaves y fluir con cierta consistencia.

Ahora vamos a analizar cómo suelen realizarse los storyboards: 1. LA HOJA DE STORYBOARD: Ya sabemos que lo primero que debemos hacer a la hora de ponernos a realizar el storyboard es elegir el formato adecuado. Los storyboards suelen tener un número de paneles por página variable, lo más frecuente suelen ser 3 ó 6 paneles por página, y pueden presentarse de manera horizontal o vertical (aunque lo más frecuente suele ser la vertical). Pero todo esto depende del gusto y de las necesidades de cada uno. Junto a cada panel debe reservarse un espacio especial para anotar el número de plano y secuencia al que corresponde, y otras informaciones como por ejemplo: - Diálogos: transcripción de los diálogos de los personajes. - Sonido y música: información sobre los efectos sonoros relevantes a la hora de contar nuestra historia en el storyboard. - Notas: anotaciones que complementen la información que nos dan los paneles. - Duración: si se necesita hacer un control muy preciso de la duración de cada plano. 2. INDICACIONES EN LOS PANELES: A la hora de plasmar nuestro guión en los distintos paneles, existen una serie de anotaciones que añadir a las imágenes para ayudarnos a comprender mejor las acciones. Estas anotaciones son muy frecuentes y siguen unas pautas determinadas. La terminología que se emplea es siempre inglesa. Y para facilitar la lectura, estas anotaciones suelen hacerse con color rojo sobre los paneles en blanco y negro. A continuación, vamos a indicar algunas formas de indicar los movimientos y demás características en nuestro storyboard. • Dirección de movimiento: nos indica la trayectoria que realiza un personaje o cualquier elemento animado o que no forma parte del fondo. Siempre se representa mediante flechas. • Entradas y salidas de cuadro (in/out): cada vez que un personaje o un elemento animado o que no forma parte del fondo entra o sale de cuadro, se indica con una flecha roja. Se añadirá IN si es una entrada en el cuadro, u OUT si se sale del cuadro. • Movimientos de cámara: - Truck in/out: es equivalente en animación a los travellings de acercamiento o alejamiento en "imagen real". Cuando la cámara se acerca a un objetivo hablamos de truck in, y cuando se aleja, hablamos de un truck out. La forma de indicarlo es creando un panel en rojo dentro del panel principal y conectando los cuatro ángulos de cada panel con flechas (rectas o curvas según sea el movimiento que queramos darle). La dirección de las flechas serán las que nos indiquen si se trata de un movimiento truck in o truck out. - Pan: se utiliza para indicar un movimiento panorámico, es decir, que la cámara se va desplazando, sea en la dirección que sea, a lo largo de un espacio. Para indicarlo en los paneles de un storyboard, simplemente determinaremos un panel de inicio del pan (bajo la que añadiremos una A), y otro de fin (al que añadiremos una B). E indicaremos la dirección de la panorámica trazando una flecha desde el punto A al punto B. - Pan bg: se usa para indicar un recurso propio de la animación en el que el personaje o personajes de un plano están animados en un mismo punto, sin desplazarse, y movemos los elementos del fondo haciéndonos creer que el personaje se está desplazando. Se puede indicar de dos maneras: añadiendo una flecha al bg con la dirección en la que se tenga que desplazar y anotando Pan BG, o siguiendo el mismo esquema que la panorámica clásica, dibujando todo el fondo e indicando cual sería el punto de inicio A y cual el de fin de B, entre estos dos puntos, insertaremos uno o varios paneles con nuestra animación - Zip Pan: se trata de un pan, pero exageradamente rápido. Se suele utilizar para dar mayor dramatismo y dinamismo a una escena. La mayoría de las veces se indica igual que una panorámica, con la sola diferencia de que deberemos escribir Zip Pan en lugar de Pan. - Cam Shake: se utiliza para simular un temblor de la cámara, generalmente tras una explosión o golpe que se desee enfatizar. Se indica añadiendo al marco de nuestro panel, otro, ligeramente más pequeño y de color rojo, que quedará por encima del dibujo del panel. Pero lo que más tenemos que tener en cuenta al realizar nuestro storyboard es que no debemos enfrentarnos a él sin haber madurado antes a grandes rasgos la idea que tengamos de la historia.